lunes, 27 de septiembre de 2021

Por allá aúlla

 


Por allá aúlla. Acrílico sobre tablilla entelada 35 x 27 cm. 1997

Muy pocas veces repito algún personaje en mis cuadros pero, a raíz de un comentario de un amigo, recordé esta obra con un tema parecido al siguiente dibujo de 2020 sobre el volcán de los mil ojos.
 

Allá aúlla. Tinta sobre papel entelada 22,4 x 16,2 cm. 2020

Todo esto parece premonitorio sobre la situación del volcán de La Palma. En la tablilla, la mujer (la isla) se autoalimenta (crece) con la lava sangrante que sale de sí misma.
Aunque cualquier cuadro de un artista se puede leer patafísicamente como una premonición.

El papel lo aguanta todo.

miércoles, 22 de septiembre de 2021

Paloma Carrasco López

 


La artista madrileña Paloma Carrasco López presenta una nueva acción para el ciclo ‘CAAMSonora’, bajo el título ‘Espacio latentes’, en la que plantea una serie de grabaciones sonoras espaciales (y visuales, como soporte al audio), dibujadas por el movimiento de la intérprete con su instrumento por cada sala o espacio de improvisación. La idea es registrar tanto el sonido del movimiento y el gesto en el espacio como el sonido del instrumento en distintas localizaciones y en interacción con el espacio, así como el sonido del espacio en sí mismo como contenedor de la acción. 

Cada registro evoca el espacio de acción concreto a través de los sonidos grabados y la manera de habitar espacial y temporalmente aquel. Se trata de hacer sonar y latir el espacio habitado en el que sucede la improvisación y dejar un registro sonoro espacial de dicha acción. Tras cada sesión de grabación, se propone además una improvisación abierta en vivo en la misma sala o espacio, en interacción con la grabación realizada. 

En esta entrega (espacios latentes #01), por las circunstancias, Paloma Carrasco ha fundido el trabajo de registro sonoro con el de muestra en vivo, haciendo de ambos la misma cosa al incorporar directamente el vídeo (la idea original concibe registros sonoros sin vídeo, o simplemente guardar éste sólo como "complemento" o soporte al audio, de cara al estudio del proceso).

Se recomienda encarecidamente la escucha con auriculares. 

Agradecimiento a Ernesto Santana, técnico de sonido. 

Paloma Carrasco López (Madrid, 1975) es música y docente, dedicada a la improvisación libre musical (violonchelo, piano) y de movimiento (danza, espacio). Su trabajo se centra en la interacción entre ambas disciplinas. Es una figura activa y relevante en la escena de improvisación libre madrileña, también programada en eventos de improvisación libre en toda España y Europa.

Estudió piano clásico y violonchelo, enfocando después su práctica a la improvisación libre desde 2003. Titulada en ingeniería de telecomunicaciones, dejó este trabajo en 2006 para dedicarse por completo a la música, tanto en su faceta de docente como en la de improvisadora libre.

Desde 2014 se forma en contact improvisación y danza improvisada, dotando de una nueva visión espacial y de movimiento a sus interpretaciones. Se ha nutrido de talleres y/ocolaboraciones con improvisadores como Chefa Alonso, Wade Mathews, Eddie Prèvost, FredFrith, Terry Day, Maggie Nicols, Ilan Volkov, Keith Tippett, William Parker, Olivier Benoit, Agustí Fernández, Llorenç Barber, John Tilbury, Barre Phillips, Lê Quan Ninh, Axel Dörner, Cristiane Boullosa, Shahar Dor, Guillermo Weickert, Emmanuelle Pepin, Manuela Tessi, Katie Duck o Mónica Valenciano, entre otros. Desde 2016 profundiza en la exploración de las sinergias entre sonido y movimiento en el campo de la improvisación libre interdisciplinar.

En 2017 lanza su proyecto Escucha en Movimiento, que se centra en la creación de espacios de exploración compartida y extendida de la libre improvisación entre músicos y bailarines, y que también contempla la organización de talleres y laprogramación escénica en este ámbito. Desde entonces, y en línea con ello, ha seguido formándose, investigando y compartiendo este trabajo con músicos y bailarines por Europa, asistiendo a encuentros como "Impro Summer Intensive" (Amsterdam), "Laboratori d'improvisació multidisciplinaria" (Barcelona), "Common Ground: music meets dance" (Berlín), "Soundance" (Berlín), "Conférence Européenne Pour l'Improvisation CEPI" (Valcivières), "Stage 2020" (PugetVille).

Entre sus proyectos como intérprete incluye actuaciones con músicos improvisadores de la escena europea: Bruo Dúo (con Ricardo Tejero), HEXDuo (con Samuel Hall), Moon: dos (con Javier Pedreira), Musicians in Space (de DavidLeahy), Sound Pool La Criatura (con Ged Barry), Johannes Nastejö, Alessandra Rombola, Wade Matthews, Alejandro Rojas-Marcos, Ángel Faraldo, Pelayo Arrizabalaga, MatthiasMüller, Tom Chant, Veryan Weston, entre otros. También con compositores como Fran M. M. Cabeza de Vaca o Sergio Blardony, o con orquestas de libre improvisación en diversas ciudades europeas: FOCO (Madrid), LIO (Londres), MIO (Liverpool), BerIO (Berlín), así como con bailarines: Kristin Guttenberg, Concuerdas (con Lucía Sánchez y Sarah Gottlieb), Nunc (con David Leahy), compañías OmosUnoThe Little Queens, y Cía LaClá.

Actúa también asiduamente en agrupaciones ocasionales con una amplia variedad de músicos en los encuentros de improvisadores de la asociación Musicalibre, en las sesiones de RarasMúsicas y en el ciclo ¡Escucha! (Espacio Cruce Arte y Pensamiento) en Madrid, siendo integrante de estos colectivos.



martes, 21 de septiembre de 2021

miércoles, 18 de agosto de 2021

Pablo Sanz

 


El artista madrileño Pablo Sanz presenta la nueva acción sonora que forma parte de su proyecto ‘mesh (earthworks)’ para el ciclo ‘CAAMSonora online’.

Esta pieza está compuesta a partir de materiales sonoros grabados en Irlanda del Norte, Eslovaquia, Cisjordania, Cataluña, La Mancha, Madrid, Lisboa y las islas de Gotland (Suecia) e Ilha Grande (Brasil), entre 2012 y 2020. Se trata de un nuevo trabajo producido para el CAAM que forma parte de ‘mesh (earthworks)’, un proyecto de largo recorrido con una trayectoria basada en composiciones originadas en exploraciones fonográficas de ecologías sonoras y territorios diversos. 

En un contexto contemporáneo en el que predominan los modos de atención acelerada y superficial y la imagen parece ser un ineludible acompañamiento de la escucha musical, Sanz propone al público adentrarse en una escucha enactiva, profunda y prolongada mediante esta acción sonora. Se recomienda el uso de auriculares.

El trabajo de Pablo Sanz incluye proyectos site-specific (para una instalación concreta) y de arte público, conciertos multicanal, instalaciones inmersivas, piezas para radio y ediciones de audio. Su práctica es una investigación sensorial sobre la escucha, la espacialidad aural, las materialidades y la vitalidad más allá de lo humano, con un interés especial por los límites y los umbrales de la percepción y la atención.

Sus obras plantean la escucha como un acto político, como forma de resistencia a las tendencias dominantes en las sociedades contemporáneas, cultivando formas alternativas de ser y pensar. Ha presentado sus trabajos en Phonos (Barcelona), Museo Reina Sofía, Auditorio Nacional, STEIM (Amsterdam) o Museo de Arte Contemporáneo de Breslavia entre otros, tanto de ámbito nacional como internacional.  Cabe destacar que su trabajo ‘strange strangers‘, encargo de R(A)DIO(CUSTICA) para la Radio checa, fue premiado recientemente en los Phonurgia Nova Awards 2020.

En cuanto a su formación, es doctor en Composición Electroacústica Experimental y Artes Sonoras por el Sonic Arts Research Centre (SARC), Queen ?s University Belfast y licenciado por la Universidad de las Artes de La Haya con especialidades en ArtScience y Sonología. Además, es miembro cofundador de la plataforma Mediateletipos.net y comisario del 11º Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment: Inmersión Sensorial (2009-2011) celebrado en Lucena, Córdoba.

Actualmente es profesor en el Máster en Composición Electroacústica y con Nuevos Medios del CSKG en Madrid e investigador visitante en SARC, Belfast.

http://pablosanz.info

http://pablosanz.bandcamp.com



miércoles, 14 de julio de 2021

Luz Prado

 


La artista malagueña Luz Prado presenta la nueva acción sonora ‘Son filé – Sonido hilado’ para el ciclo ‘CAAMSonora online’. Se trata de una novedosa pieza audiovisual para violín tocada con dos arcos, una técnica musical que permite hacer sonar las cuatro cuerdas a la vez, las dobles cuerdas con cuerdas intercaladas y emitir otros sonidos que se aproximan a un son hilado infinito.

La relación de Prado con el violín ha sido análoga al cambio de paradigma en la historia de las artes visuales en el siglo XX. A lo largo de su trayectoria musical, la artista ha pasado de considerar el instrumento como un mero medio para conseguir un fin sonoro a concebirlo como un objeto de madera, crines y cuerda con el que dialogar sonoramente. De este modo encuentra una forma de improvisación libre con la que explora los límites del violín y encuentra nuevas sonoridades.

Luz Prado (Málaga, 1985) es violinista, performer y artista sonora. En los últimos años ha desarrollado proyectos junto a coreógrafas que amplían las dimensiones de su propia escucha, generando nuevas líneas de trabajo en torno a las artes vivas.

Desde 2017 vive en Madrid donde comparte procesos junto a artistas como Nilo Gallego, Elsa Paricio, Wade Matthews, Elena Córdoba o Silvia Zayas. Actualmente, forma parte de ‘El Triángulo’, un proyecto educativo sobre la escucha que lleva a cabo el centro CA2M, y colabora con bailarinas como Carlota Mantecón, La Chachi o Irene Cantero.

Su último trabajo es ‘Ellen/Laurie/Pauline. Concierto para violín expandido’, estrenado en el Teatro Español dentro del festival ZIP o Calendario Floral junto a Elena Córdoba y David Benito, que fue llevado a cabo durante el periodo de cuarentena.



jueves, 17 de junio de 2021

Juan Antonio Nieto

 

     Foto: Markus Gradwohl

El artista Juan Antonio Nieto presenta la nueva acción sonora ‘Helechos’ para el ciclo ‘CAAMSonora online’. Esta pieza audiovisual surge de sus improvisaciones con objetos domésticos de timbres variados y de grabaciones en exteriores. Las imágenes que acompañan a la acción son obra de la artista Almudena Villar (Latimeria) y reflejan el ambiente onírico de la pieza.

Esta interpretación tiene su origen en las diferentes maneras de mezclar los elementos que Nieto utiliza desde hace años en conciertos y álbumes, percusión de objetos domésticos, grabaciones de campo y modificaciones electrónicas. El artista trata y superpone el sonido procedente de estos materiales, junto al registro sonoro de una tormenta y de un mercado callejero. Del resultado total de este proyecto, el autor eligió esta toma; en sus palabras, “la más oscura y densa, la más adecuada para estos tiempos”.

Juan Antonio Nieto (Madrid, 1961) es un artista sonoro madrileño. Su obra ha sido publicada en compañías discográficas de todo el mundo como Moozak, Marbre Negre, Plus Timbre, Luscinia, AMP, Trente Oiseaux, Mandorla, Experimedia, Impulsive Habitat o Audiotalaia, entre otras. 

En sus composiciones, Nieto utiliza tanto la informática musical como las grabaciones de campo o los instrumentos electroacústicos tradicionales, con los que crea sonidos opresivos e irritantes que, combinados de manera sutil y poética, desembocan en atmósferas cautivadoras e hipnóticas o, como Sarah Vacher escribió: “composiciones en las que, inagotablemente, aletean impulsos y drones de cambiante perfil, en espacios saturados donde apenas si queda sitio para un alfiler. Van recorriendo por su cuenta y riesgo un gran panel de ricas frecuencias que da brillo a una paleta tímbrica estructuradora de extremada variedad y sutileza. Esporádicamente, aterciopelando las abruptas texturas y la crudeza sonora constructivista, se nos acercan cautivadoras entonaciones que agudizan el hipnotismo y avivan la ensoñación”.

Juan Antonio Nieto ha colaborado con algunos de los más prestigiosos artistas de  vanguardia del mundo, como el compositor clásico brasileño Leo Alves Vieira, con el que ha trabajado con el Quarteto de Cordas da Grota; el compositor serbio Igor Jovanovic; el escritor japonés Kenji Siratori, que ha puesto voz a sus composiciones; la turntablista norteamericana María Chávez, la videoartista argentina Laura Focarazzo –colaboración que obtuvo el premio Diario de Levante en el Festival Incubarte de Valencia de 2012—;  el percusionista griego Chris Silver T., el músico argentino Luís Marte, el artista aleman Kris Limbach, el músico español Javier Piñango, con el que forma un dúo estable desde 2015, el dúo español Oikos, el músico sueco Metek, el artista polaco Robert Lisek, el músico chileno Mika Martini, el videoartista Roland Quelven, o el músico colombiano David Vélez.

Su música ha sido incluida en diversas instalaciones artísticas como en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Centro Cultural de España en Buenos Aires, el festival Fuga Lab, el Festival Moozak de Viena o el Abstracta cinema festival of Rome. En febrero de 2012, el programa de RNE ‘Ars Sonora’ le dedicó un programa monográfico sobre su obra.

Como artista invitado de La Orquesta Mundana, actuó en el Museo Reina Sofía de Madrid. Juan Antonio Nieto es asimismo miembro del Hypermodern Group, un proyecto de improvisación libre que incluye entre sus filas a artistas como Frank Vigroux, Le Quan Minh o la leyenda de la percusión Han Bennink. En 2016 ganó el concurso internacional de Arte Sonoro Radical dB. La revista Procedimentum realizó un número monográfico y una convocatoria dedicada a su obra. Además, ha comisariado el Festival Acúfenos de Madrid, varios eventos musicales en Latimeria y series de conciertos en Medialab Prado con el colectivo GRS.

Enlaces de interés:

http://pangea-juanantonionieto.blogspot.com.es/
http://pangea-juanantonionieto.blogspot.com.es/
https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Antonio_Nieto_(Pangea)
https://juanantonionietopangea.bandcamp.com/
https://soundcloud.com/juanantonionieto



viernes, 11 de junio de 2021

Noise Not Music

 


Paco Rossique – “The Space of a Door” from Collages & Dispersions (Linear Obsessional, 2015) en Noise Not Music

miércoles, 19 de mayo de 2021

Eli Gras

 


La artista multidisciplinar Eli Gras presenta la nueva acción sonora ‘Ferretería y Arte Sonoro’ para el ciclo ‘CAAMSonora online’. Esta pieza audiovisual trata de reflejar una visión personal de la tecnología partiendo del uso que autora encuentra en los objetos cotidianos, aplicando sus propiedades al arte sonoro.

En este vídeo la protagonista nos explica diferentes aspectos de algunos de los elementos ferreteros que componen su instrumental, acercándonos al mundo de la ferretería desde un punto de vista musical. Además, ofrece una interpretación sonora mostrando el uso que le da a sus instrumentos.

Eli Gras (Barcelona, 1971), conocida cariñosamente como una suerte de ‘ferretería conceptual’ en lo que se refiere a su obra, es improvisadora y constructora de ingenios sonoros. Ha trabajado durante 16 años como ferretera, así como en el campo de los efectos especiales, lo cual, añadido a su gusto por construir y solucionar, le ha llevado a experimentar con elementos de ingeniería doméstica. En su trabajo aplica técnicas y materiales que recicla y adapta para darles un uso no convencional.

Foto: Viorica Cernica
Fotos: Viorica Cernica

Su carrera en la música experimental, se inicia principios de los 80, recorriendo un ecléctico abanico de géneros que van desde el noise, electro-pop, música griega, minimalismo, folk, coral o electroacústica, aunque siempre ha centrado su actividad en la improvisación libre y el arte sonoro. Ha sido miembro de diferentes grupos de improvisación como Obmuz, Ome Acustics o Laptopless Orchestra y ha tocado con multitud de artistas.

A lo largo de su trayectoria profesional ha actuado en diversas salas de conciertos y festivales de toda Europa como el Sónar, en Barcelona, o el Sonic Festival en Dinamarca. Cabe destacar que es creadora de los espectáculos-instalación ‘Saló Sonor’ y ‘Peeled Piano’, ambas performances con toques escenográficos e instrumentos inventados/alterados. 

Entre sus trabajos en solitario destacan ‘Museum of the Dry Bugs’ (Gagarin Records, 2019), ‘Tasmanian Robinet’ (L.O.E. 2019), Grass Velvet’ (Esc. Rec. 2018), ‘Xylotheque’ (L.O.E., 2017), ‘Baranda’ (L.O.E., 2004), además de los CD’s ‘Duplicat’ (con Pelayo Arrizabalaga), ‘POLO’ y ‘El Avión’ (Motor Combo).

Actualmente basa principalmente su obra en la electroacústica, la acusmática, el luthierismo experimental, así como en la improvisación libre, ejerciendo además de tallerista y ponente, incluyendo exposiciones de sus piezas. Ha realizado trabajos en diversas áreas del entorno creativo como el dibujo animado, escritura, sector editorial, producción de eventos y comunicación entre otras.

Es fundadora y directora del Festival Internacional NoNoLogic (2007) y editora del sello La Olla Expréss (2002).


sábado, 24 de abril de 2021

Texto de Luis Francisco Pérez

SIN TÍTULO (pero con palabras)


El rótulo de esta exposición de últimos trabajos de Paco Rossique es Un espejo demorado, pero nada nos impide pensar (en un sentido plenamente artístico, pues el espectador también crea a su manera) que bien pudiera ser el título de una composición musical estructurada en cinco movimientos (lo que su autor ha dado en llamar Elementos), máxime conociendo la importancia profesional y sentimental (importancia por así de decir, de vida) que la música en todos sus manifestaciones –en ocasiones de manera directa, y otras más propias de “el jardín de senderos que se bifurcan”- ha tenido y tiene en la producción simbólica y creativa de nuestro artista. Tanto es así, y por poner un ejemplo muy significativo y en tiempo presente, que desde 2017 es el entregado comisario del ciclo CAAMSonora, que desde esa fecha se viene realizando en el CAAM de Las Palmas de Gran Canaria con el noble fin de investigar sobre las singularidades expresivas y estéticas del arte sonoro. Así pues, Un espejo demorado es el título de la composición (en su sentido más creativo, pero también, por supuesto, como “acción de música”) que Paco Rossique nos presenta e interpreta.


Elemento 1 o Primer Movimiento: El sonido de las horas (Poco Adagio quasi andante)


Pertenece a Henri Louis Bergson, filósofo idealista de las temporalidades subjetivas del ser, la frase El tiempo es invención o no es nada en absoluto”. De ahí que en la rara y silenciosa sonoridad de este movimiento su autor haya sabido estructurar muy bien los tres elementos que conforman el armazón intelectual de esta sección: materia, tiempo y movimiento, en tanto que formas de representación de la “durèe” de Bergson, donde no hay nada fuera del conocimiento y la intuición, elementos que engendran la realidad. Por eso en este reloj que piadosamente “no marca las horas”, como bien nos dijo el bolero, los números han sido reemplazados por notas musicales en su notación anglosajona y germana, dando así la razón a Bergson de que el tiempo es puramente invención. Recordemos que, siguiendo la notación clásica alemana, el si bemol se representa por la letra B, la es una A, do se corresponde con la C y si con la H: Bach, nada menos. Y aquí, afortunadamente, no hay nada de invención en este Tiempo. Pero sí una bellísima duración interminable, infinita, casi no humana.


Elemento 2 o Segundo Movimiento: El expectante (scherzo grottesco e molto umano)

La definición que del adjetivo “expectante” nos ofrece el diccionario de la RAE se nos antoja en exceso corta y prosaica, por no decir pobre: “Que espera observando, o está a la mira de algo”. En muchas ocasiones se nos olvida, o no reparamos con la debida atención o intensidad, que toda producción artística lleva incorporado su propio “diccionario”, y que nada tiene que ver con el que habitualmente “negociamos” cuestiones lingüísticas. Por supuesto, el arte es también una lengua, o muchas a la vez, pero obedece (y desobedece) a otras jerarquías y autoridades. Las 72 polaroids que su autor nos muestra en esta sección son 72 imágenes que deben más a los universos de la literatura y el cine, o de una cierta poesía, o a los naturales a determinados sonidos concretos, aunque no escuchemos sonido alguno. Los dos diminutos personajes que con cierta dificultad contemplamos en la escena creada me recuerdan tanto a las casi microscópicas figuras humanas que vemos en los imponentes paisajes de Poussin, como a los pacientes personajes de los dramas teatrales de Samuel Beckett, y que son ciertamente, aquí sí, expectantes que viven su situación con triste y delicado humor. Como acabamos de comprobar estos dos ejemplos citados nos resuelven muchas más dudas que la definición que nos ofrece la RAE.


Elemento 3 o Tercer Movimiento: De los cien sueños (Rêveries et Passions en do menor)


Estos “Sueños y Pasiones” es el título que Hector Berlioz dio a la primera parte de su extraordinaria Sinfonía Fantástica. Sobre esta obra escribió el propio compositor: “Para interpretar adecuadamente la “Fantástica” es menester una combinación de precisión extrema, brío irresistible, una vehemencia regulada, una ternura onírica y una melancolía casi mórbida”. Con total sinceridad: es imposible que de mi autoría surja mejor definición para estas cajas (creo recordar que Paco me comentó que también eran 72, igual número que las polaroids de El expectante) que las palabras, ya digo, recién transcritas de ese genial (y muy “raro”) compositor que fue Berlioz. Agregaría, eso sí, que estos “pequeños joyeros” parece que han sido creados a cuatro manos entre André Breton y Franz Kafka, tal es la intensa representación que en tan angosto espacio –o mejor: escenario- su hacedor ha logrado poner en escena; como si, en esta ocasión, Paco Rossique fuera el director artístico no ya de una ópera de cámara, pero sí de una “ópera de bolsillo”. Como bien diría Berlioz son, en esencia, sueños y pasiones. Ilusiones oníricas de representaciones imposibles.


Elemento 4 o Cuarto Movimiento: Partituras (Allegro molto - Misterioso - Un pochettino largamente - Largamente assai - Un pochettino stretto)


La larga y exagerada descripción de las diferentes tonalidades que aparecen junto al nombre de esta sección, elemento o movimiento, pertenece a la parte final de la (para mí) bellísima 5ª Sinfonía de Sibelius, escrita durante el fragor de la primera guerra mundial, y estrenada un año después, en 1919, en plena “gripe española”. Conviene aclarar que tan extensa y variada tonalidad ha sido aquí expuesta porque me resulta de gran utilidad para intentar reflejar o comprender la oceánica inmensidad que encierra toda partitura, documento que se diría que todos conocemos su significado, cuando en realidad una partitura es imposible que tenga un solo significado, pues en ese papel pautado cabe absolutamente todo, todo lo inabarcable quiero decir. Eso es la música. Tengo la gran suerte de escribir este texto mientras contemplo una “partitura” de Paco. No sabría describirla, pero lo intento. Un tarro cristal de tamaño mediano y debajo cinco letras que forman la palabra BACH. Pues bien, toda partitura es, y por encima de cualquier otra consideración, la belleza sonora de una imposibilidad. Y las 16 partituras que aquí contemplamos son 16 músicas, y en cada una de ellas existen y cohabitan todas las bellas e italianas tonalidades que escogió Sibelius para “explicar” la parte final de su sinfonía.


Elemento 5 o 5º Movimiento: Tácet Tactus (Andante con moto)



Entre la frase latina “tácet tactus” (toque silencioso), y la expresión italiana “andante con moto” (tranquilo, pero en movimiento) se manifiestan, a modo de territorio de abierta y opaca significación, el único trabajo en vídeo (dos pantallas unidas que muestran dos trabajos diferentes) que Paco Rossique presenta en la actual muestra. Vídeos o imagen en movimiento, o cine otro, o película de artista: diferentes calificaciones y todas igualmente válidas. En la historia de la música son relativamente pocos los compositores que han escrito obras o sinfonías con cinco movimientos (Mahler sería, quizá, el ejemplo más conocido), por eso estas dos delicadas filmaciones de imagen y sonido también pueden ser vistas o entendidas como una bella coda final, casi como un exquisito resumen de ese Espejo demorado que desde diferentes prismas reflectantes, desde diferentes elementos o movimientos, su autor ha sabido muy bien desarrollar y presentar. Por eso creo que importante cederle la palabra en este final a Paco Rossique. Hablando precisamente de este trabajo de Tácet Tactus: “A mi entender hay dos tipos de música, atendiendo en una mirada superficial al ritmo: una que obedece a la cadencia rítmica de los latidos del corazón y otra que obedece a la cadencia arrítmica de los impulsos eléctricos que emiten los astrocitos, células que transmiten y regulan la información entre las neuronas”.


Luis Francisco Pérez

Madrid, 21 de marzo del 2021



jueves, 22 de abril de 2021

Wade Matthews

 


El artista Wade Matthews presenta la nueva acción sonora ‘Xenophonia’ para el ciclo ‘CAAMSonora online’. En esta pieza audiovisual, Matthews cuenta con la colaboración del artista visual Adam Lubroth y del cineasta Iván Puñal García.

Nacido en Francia y de padres norteamericanos, el autor ha vivido en numerosos países, por lo que se considera a sí mismo un ‘extranjero’.  Esta experiencia, así como la de colegas y amigos a los que ha entrevistado, ha generado un collage en tres partes sobre el que Matthews navega con sus sonidos. La obra se plantea como una improvisación en la que la música, las voces y las imágenes entran y salen para formar un diálogo que cambia con cada actuación. Su creatividad a la hora de realizar piezas audiovisuales le ha llevado a esta colaboración que, tras más de una década en preparación, se presenta en el CAAM en forma de luz.

Wade Matthews es músico profesional desde 1977. Desde hace treinta años se dedica a la libre improvisación, colaborando con otros músicos además de improvisadores de la danza e imagen. Su música se ha presentado en diferentes museos y festivales entre los que destacan el Museum of Modern Art de Nueva York o el Reina Sofía de Madrid. Además de sus numerosas grabaciones y conciertos, Matthews es autor de libros y de ensayos en revistas.